Arte concettuale e filosofia del linguaggio

"Io non ho alcun bisogno di lavorare sui miei oggetti. Uno dei miei assistenti, o chiunque altro, può riprodurre il disegno come potrei farlo io”. Con questa frase Andy Warhol, vuol farci riconoscere che nell'epoca della riproducibilità tecnica, è di marginale importanza l'attribuzione della paternità di un opera. In altri termini, è essenziale il gesto, l'idea dell'artista, piuttosto che l'opera in sé.

Sempre più spesso l'artista concepisce il lavoro nello studio, ma viene realizzato altrove da artigiani professionisti. L’oggetto diviene quindi il prodotto finale di un processo. L'artista perde l' interesse per la fisicità dell’opera.

Questo modo di operare, definito "concettualismo", è stato influenzato per lo più dalla filosofia del linguaggio.
La presa di posizione teorica più celebre sarà quella di Joseph Kosuth che si trova nel saggio "Art after philosophy" del 1969. E' una sorta di riassunto del pensiero di Ludwig Wittgenstein, il grande pensatore austriaco.

“L’arte concettuale - scrive Kosuth - ha alla sua base l’idea che gli artisti lavorano con il significato, e non con forme, colori, o materiali. Qualsiasi cosa può essere impiegata dall’artista per realizzare l’opera, incluse forme colori o materiali, ma la presentazione finale dell'opera, dipende essenzialmente dalla sua funzione di veicolo per l’idea, che ne sta alla base".
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Cosa vuol dire che l’artista lavora con il significato? Kosuth cita la celebre formula di Wittgenstein dove parla di linguaggio: il significato del linguaggio è nell'uso.

La nozione di ‘uso’ è rilevante per l’arte e il suo linguaggio. La differenza fra i vari usi di un oggetto, è direttamente collegata alle differenze nelle intenzioni dell'artista. La considerazione di un oggetto come un’opera d’arte, viene necessariamente prima del vederla.

Se qualcuno mi dice, ad esempio, la parola cubo, io so cosa significa. Ma l’impiego della parola può starmi tutto quanto davanti alla mente, quando la comprendo in quel modo? No certamente. In questo caso chiamiamo "applicazione dell’immagine di un cubo". Credere che l’immagine ci costringa a una determinata applicazione, consiste nel fatto che ci viene in mente solo un caso e nessun altro.

Quando udiamo la parola ‘orinatoio’ e vediamo al museo l’orinatoio di Duchamp, l’immagine mentale è la stessa di un orinatoio comune, ma il significato è diverso.

Con Duchamp l’arte cambia il suo obiettivo, il che significa che la natura dell’arte passa da una questione di forma ad una questione di funzione. Questo cambiamento dall’apparenza al concetto, ha segnato l’inizio dell’arte moderna e dell’arte concettuale.

È l’uso di un oggetto all’interno del gioco linguistico dell’arte che ne fa un oggetto artistico. Dunque l’opera d’arte è un fatto linguistico.

Se continuiamo nell'analogia delle forme artistiche come il linguaggio peculiare dell’arte, allora ci si può render conto che le opere d’arte sono sequenze di proposizioni. Vale a dire, se sono viste entro il loro contesto come arte, esse non danno alcuna informazione di nessun tipo attorno a qualsiasi fatto esterno al loro mondo. E' come dire che nel gioco degli scacchi valgono le regole degli scacchi, ma solo e solamente in quel contesto. Le regole degli scacchi non possono essere applicate al gioco del poker.

Un’opera d’arte è una ripetizione di se stessa, in quanto essa è la presentazione dell’intenzione dell’artista, ovvero egli sta dicendo che una particolare opera d’arte è arte, il che significa che è una definizione dell’arte. Come un uomo è un uomo nella società degli umani. Sono per lo più tautologie.

L’arte è quindi pensare l’arte stessa.

Oggi gli oggetti sono concettualmente irrilevanti. L’arte quindi tende ad avere sempre meno significato emozionale, per proporsi come lucida razionalità ed indagine linguistica, dove per linguaggio si intenda un sistema inferenziale.
Se vogliamo saperne di più, sull'uso dell'arte come linguaggio, dobbiamo quindi prestare un'attenzione particolare alle parole del demiurgo Marcel Duchamp laddove in un intervista, due anni prima di morire, dichiara:

"Mi sono servito, dell’arte, per stabilire un modus vivendi, una specie di metodo per capire la vita. Cercare cioè di fare della mia vita un’opera d’arte, invece di passarla a creare quadri o sculture. Ora, penso che si possa usare il proprio modo di respirare, di agire e di reagire agli altri. Si può trattarli come un quadro, un tableau vivant, o un’immagine cinematografica, se volete. Sono le mie conclusioni di adesso, che non ho né voluto né organizzato quando avevo 15 o 20 anni, ma mi rendo conto ora, dopo molto tempo, che in fondo è a questo che ho mirato"

(Duchamp 1966)

Con questo testamento spirituale, Duchamp ci dice che non solo il sistema dell’arte ma anche la vita deve essere decostruita e ripensata in funzione del suo uso.
Se per conoscere bisogna smontare i pezzi, Duchamp smonta il funzionamento della produzione del valore, della costruzione del senso e che in ultima analisi è il linguaggio stesso a fornire il significato, che per l'appunto sta nel suo uso.
Allora fare di sé un’opera d’arte, ha un senso solo se si distoglie l’attenzione dalla vita come senso e si inizia guardarla come uso del linguaggio.
Così sono le opere di Duchamp, dei segni indicatori di eventi accaduti nel proprio sé.

«Usare il proprio modo di respirare, di agire, di reagire agli altri... e farne un tableau vivant». Lavorare sul linguaggio in definitiva come su un sistema, considerando il proprio corpo come auto-produttore di linguaggio, al punto di affermare che è proprio il linguaggio a consentire di fare una tale considerazione e che al di là di esso non vi è conoscenza.

"Non ci sono problemi perché non ci sono soluzioni"